Teoria della musica contemporanea

La musica contemporanea rappresenta una continua evoluzione dei linguaggi musicali, spingendo oltre i confini delle strutture tradizionali. Questa trattazione esplora tre aspetti chiave: atonalità e serialismo, scale e armonie non convenzionali, e tecniche compositive innovative, illustrando come i compositori moderni ridefiniscono l'espressione musicale.

La musica contemporanea rappresenta una continua evoluzione e sperimentazione dei linguaggi musicali, andando oltre le tradizionali strutture tonali e armoniche. Questa trattazione approfondirà tre aspetti fondamentali di questa evoluzione: la musica atonale e seriale, le scale e armonie non convenzionali, e le tecniche compositive contemporanee. Attraverso l'esplorazione di questi temi, verranno illustrate le innovazioni che hanno ridefinito il panorama musicale del XX e XXI secolo, mostrando come i compositori abbiano utilizzato nuove modalità per esprimere le loro idee e rompere con le convenzioni del passato.

Musica atonale e serialismo

Musica atonale:

La musica atonale si sviluppa principalmente grazie al lavoro di Arnold Schönberg e i suoi allievi della Seconda Scuola di Vienna. La principale caratteristica della musica atonale è l'assenza di un centro tonale. Questo significa che non esiste una nota o un accordo dominante che funge da "casa" per la composizione.

• Armonia libera: La musica atonale utilizza un'armonia non funzionale, dove gli accordi non seguono le tradizionali progressioni armoniche. Gli accordi sono trattati come entità autonome, non vincolate a una tonalità specifica.
• Motivi e temi: I motivi e i temi nella musica atonale sono spesso brevi e frammentari, e possono essere manipolati attraverso tecniche come inversione, retrogradazione, e trasposizione.

Serialismo:

Il serialismo è una tecnica compositiva sviluppata da Arnold Schönberg negli anni '20, nota anche come dodecafonia. Essa si basa sull'organizzazione delle dodici note della scala cromatica in una serie o fila. La serie può essere utilizzata in quattro forme principali:

1. Forma originale: la sequenza delle dodici note come composta originariamente.
2. Retrogrado: la serie suonata al contrario.
3. Inversione: la serie suonata con intervalli invertiti.
4. Retrogrado dell'inversione: l'inversione della serie suonata al contrario.

Le regole del serialismo prevedono che tutte le dodici note devono essere utilizzate prima che qualsiasi nota possa essere ripetuta. Questa tecnica garantisce l'assenza di un centro tonale e promuove una struttura musicale rigida e predeterminata.

Scale e armonie non convenzionali

Scale esatoniche:

Le scale esatoniche, o scale intere, sono costituite da sei note, ciascuna separata da un intervallo di tono intero. Questa scala non ha semitoni, il che le conferisce un carattere di ambiguità tonale e un suono etereo. Claude Debussy è uno dei compositori che ha ampiamente utilizzato questa scala per creare atmosfere sognanti e sospese.

Scale octatoniche:

Le scale octatoniche, o scale diminuite, alternano toni e semitoni, risultando in una scala di otto note. Questa scala può essere divisa in due varianti principali:

• Semitono-tono: inizia con un semitono e alterna semitoni e toni.
• Tono-semitono: inizia con un tono e alterna toni e semitoni.

Compositori come Igor Stravinsky e Alexander Scriabin hanno utilizzato la scala octatonica per creare tensioni e risolverle in modi non convenzionali.

Scale microtonali:

Le scale microtonali utilizzano intervalli più piccoli del semitono, come il quarto di tono. Questa tecnica permette di esplorare nuove intonazioni e sfumature timbriche. Compositori come Harry Partch hanno sviluppato strumenti appositamente accordati per eseguire musica microtonale.

Armonie Non Convenzionali:

• Cluster Chords: Gli accordi cluster sono composti da note adiacenti nella scala cromatica, creando un suono denso e dissonante. Henry Cowell è noto per l'uso di cluster chords nel suo lavoro pianistico.
• Policordi: I policordi sono combinazioni di due o più triadi sovrapposte, spesso provenienti da tonalità diverse. Questo crea una tensione armonica complessa e ricca.

Tecniche compositive contemporanee

Aleatorietà:

L'aleatorietà utilizza il caso come elemento compositivo, dando agli interpreti un grado di libertà nell'esecuzione. John Cage è uno dei pionieri di questa tecnica, con opere come "4'33''" che esplorano il concetto di silenzio e casualità. Cage ha anche utilizzato il metodo I Ching per determinare la struttura di alcune sue composizioni.

Minimalismo:

Il minimalismo si basa sulla ripetizione ossessiva di brevi motivi melodici e ritmici, con lievi variazioni nel tempo. Steve Reich, Philip Glass e Terry Riley sono compositori chiave di questo movimento. Reich, ad esempio, utilizza la tecnica del phasing, dove due o più voci identiche suonano a velocità leggermente diverse, creando effetti di slittamento e interazione ritmica.

Spettralismo:

Lo spettralismo si concentra sull'analisi dello spettro armonico del suono e sull'uso di queste informazioni per creare nuove armonie e timbri. Tristan Murail e Gérard Grisey hanno sviluppato tecniche che si basano sulle proprietà fisiche del suono, come la serie degli armonici naturali, per costruire composizioni che esplorano i colori timbrici in modo dettagliato.

Tecniche estese:

Le tecniche estese includono metodi non convenzionali di produzione del suono su strumenti tradizionali. George Crumb, ad esempio, utilizza tecniche come il pizzicato sulla cassa del pianoforte, l'uso del canto armonico e percussioni corporee. Helmut Lachenmann ha sviluppato un approccio chiamato musique concrète instrumentale, dove gli strumenti sono usati in modi non tradizionali per produrre suoni percussivi e rumoristici.

Questi argomenti rappresentano una panoramica dettagliata della complessità e della diversità della musica contemporanea, riflettendo la continua evoluzione delle pratiche compositive e l'espansione dei confini espressivi.